Não vou mentir que fui assistir este filme querendo vê-lo. Para falar a verdade, fui bem descrente. Logo na capa temos Brad Pitt e Cate Blanchett, e com isso me veio na cabeça mais um filme pretensioso que quer dizer muito e não fala nada. Justamente ai que me enganei. O filme de Alejandro González Iñárritu, o diretor de Amores Brutos e 21 gramas, diz muito com pouco, neste filme que completa agora está trilogia não abertamente declarada.

O filme conta 4 histórias de forma não linear, embora isso só fique claro mais para frente do filme, que se entrelaçam através de um rifle. Um casal em crise conjugal viaja para Marrocos para terem um tempo para eles, e deixa seus dois filhos aos cuidados da babá mexicana, as vésperas do casamento de seu filho. Um marroquino compra um rifle para espantar os chacais que estão comendo suas cabras, e deixa a arma aos cuidados dos dois filhos para que olhem as cabras. Uma garota japonesa surda-muda enfrenta sua adolescência conturbada após a morte de sua mãe, e vive com seu pai, ex-caçador que doou um rifle para um marroquino que lhe serviu de guia em uma viagem.

A trama se complica, quando um dos garotos marroquinos começa a brincar com o rifle e atira em um ônibus que passa na estrada, e acaba atingindo uma turista americana. A partir daí, temos a indiferença dos outros turistas que estão somente preocupados com sua própria segurança, problemas internacionais prestes a estourar, visto que todos acreditam ser um ataque terrorista, a babá mexicana resolve levar os filhos do americano para o méxico durante a festa de casamento de seu filho e a garota japonesa vai se afundando cada vez mais em sua dor.

O que deixa o filme belo, é justamente o falo de ser falado em 4 línguas, (ou cinco considerando a linguagem surdo-mudo) e como em um mundo globalizado, tudo, por mais distante que possa estar, está muito próximo. Desde Coca-Cola em Marrocos, Mc Donald’s no Japão; Sprite no México, mas o principal é a dor universalizada, e a forma como as pessoas, mesmo falando a mesma língua muitas vezes não se entendem, ou como quando atravessamos estas barreiras culturais, podemos realizar grandes feitos.

Em um ponto no começo do filme vemos a Americana com medo de tomar Coca-Cola com gelo de Marrocos (“Não sabemos o que tem nesta água”) e depois a vemos sendo suturada com uma agulha esterilizada com um isqueiro. Já próximos ao fim do filme, temos Brad Pitt entregando dinheiro ao marroquino pela ajuda, e ele nega.

Outra questão interessante, é como são retratados os policiais de todos os países. Eles estão fazendo o trabalho deles, mas não se importam de realmente entender o que está se passando. Simplesmente cumprem ordens. Até que no final, o policial marroquino dá um olhar diferente para o garoto que atirou com o rifle. É só um olhar, mudando a perspectiva da personagem.

Pontos interessantes da estética do filme são quando vemos subjetivamente pela visão da garota japonesa surda-muda, onde não temos som; e a maneira como a palheta de cores é utilizada para distanciar e aproximar as diferentes culturas. Pro exemplo, o Japão é azul tal qual os Estados Unidos e Marrocos é Vermelho, assim como o México. A fotografia se mantém forte em todos os países, universalizando a narrativa. Cabe aqui uma rápida discussão sobre as cores, e como elas são invertidas na cultura oriental. Para nós o vermelho é sempre associada a uma cor do mal, do errado ou do proibido; já no Japão, é o oposto: O vermelho é a cor do certo, do honrado, como nos é mostrado nos super-sentais onde o vermelho é sempre o líder.

Simplesmente fantástico, deve ser visto e revisto diversas vezes. Uma aula de cinema.

Newton Uzeda

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Queime depois de Ler – Burn after reading

E lá fui eu assistir mais um filme dos irmãos Ethan e Joel Coen, o responsáveis pelo fantástico No Country for Old Men (Os fracos não tem vez, como foi porcamente traduzido o título no Brasil). Enfim, o filme reune uma constelação toda de grandes astros de Hollywood e o faz muito bem. Temos John Malkovich, J.K. Simmons, George Clooney, Brad Pitt, Tilda Swinton, Frances McDormand entre outros, vivendo um filme com uma narrativa multi-plot que satiriza o filmes de espionagem. E é justamente nesta sátira que o filme se torna grandioso, não sendo um filme farsesco mas sim uma comédia de situações cotidianas, onde até um espião recebe ligações por engano em seu telefone secreto.

E a crítica aos filmes ditos sérios não se limita somente na história, mas segue também para o tíulo espertamente escolhido e, desta vez, corretamente traduzido. Burn after reading, queime depois de ler, é muito mais que um título vendável, é uma receita de como se deve consumir alguns filmes: Consuma e esqueça. Assista, divirta-se e passe para outra.

O filme coloca-se no patamar da futilidade, justamente para criticar a infinidade de filmes que são empacotados em suas estruturas lineares e melodramáticas e distribuição para a massa não pensante de consumidores de “cinema”. A mesma futilidade, é usada em todas as personagens do filme. Um só pensa em comer todas as que aparecem, a outra administra uma academia e só pensa em fazer uma plástica e por ai vai. Definimos grande parte de nossa sociedade nas personagens deste filme.

Recomendado a todos que querem uma boa comédia que nos mantem com um sorriso no canto da boca o filme inteiro. E depois de visto, parta para o próximo filme…

Dúvida: Até quando Brad Pitt vai parecer um moleque?

Newton Uzeda

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Provavelmente o filme mais importante da década de noventa, Pulp Fiction foi dirigido brilhantemente por Quentin Tarantino de forma não linear misturando ação, violência e humor de forma rápida e inteligente e com sutileza paquidérmica. Com certeza um filme para ser visto e revisto milhões de vezes, e será surpreendente.

Foi um filme que não só a linguagem é inovadora e grandiosa, mas a maneira como o mafioso, é colocado. Mafioso, como o vilão antes tão distante de todos. Vilão que era facilmente odiado, e acabava ficando por diversas vezes apagado pelo herói protagonista, agora toma para si a obrigação de carregar a história. E como se só isso não fosse o bastante, Tarantino ainda nos mostra como o vilão é uma pessoa comum, e igual a todos nós; fazendo as mesmas coisas e fazendo referências culturais com o mesmo embasamento que qualquer “cidadão exemplar” de uma sociedade careta. Algo que, certamente, incomoda os moralistas de plantão que insistem em acreditar que a violência e o “sub-mundo” está longe deles.

Esta humanização do “vilão”, é ainda mais marcada quando nos diálogos nos é mostrado temas que não são tão relevantes para a história em si, mas são importantíssimos para a criação das personagens e enriquecimento da diegese narrativa assim como embasamento de temas sociais importantíssimos que dificilmente seriam discutidos de outra forma. Incrível como nenhum diálogo é desnecessário, mesmo não ajudando a carregar a história. É o caso de um dos primeiro diálogo do filme, quando Vincent (Travolta)e Jules (Jackson) conversam sobre Big Macs e Buger Kings; “são as pequenas diferênças” que tornam as coisas legais e interessantes. De fato um filme que julga o expectador como um ser inteligente e pensante, chutando de lado a narrativa obvia do “o herói salva o dia”.

A própria estrutura narrativa influenciou um sem número de filmes que hoje em dia tem múltiplos plots e narrativas não lineares. Com certeza estes filmes buscam se aproximar de Pulp Fiction de uma forma até que um pouco desesperada, sempre querendo infrutiferamente se igualar a obra prima de Tarantino. Em sua narrativa, de certo modo, cíclica, o filme nos da vontade de assistir novamente assim que acaba.

Um filme que trata de drogas, contrabando, violência e estupro homossexual sadomasoquista por parte de um… policial, veja só, nunca foi tão contrastado, com cenas de lealdade e amor de um lutador de boxe por sua companheira burrinha.

Outra coisa que é imensamente importante sobre o filme, é a maneira como o tempo é materializado na tela. Já falei que é um filme que não segue uma linha narrativa linear, e a maneira que Tarantino encontrou para nos mostrar o quanto ele se importa com o tempo, foi em dar para Butch (Willis) um relógio, que o avô passou pela guerra com o relógio para entregar ao pai que pasou por outra guerra com o relógio e foi preso e teve tudo levado e o único lugar que ele pode esconder o relógio foi em seu ânus, e quando foi levado para morte, entregou para o melhor amigo, que também escondeu o relógio da mesma maneira… Enfim, Tarantino com toda sua sutileza, nos mostrou que ele realmente enfiou o tempo no cu, ao fazer este filme. Simplesmente brilhante! Um filme que ira demorar muito para ser ultrapassado, se é que um dia será.

Newton Uzeda

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Filmes de zumbi são sempre controversos. Uns amam, outros odeiam. E é aqui que Zombieland se destaca, quando mesmo assistindo o filme com uma pessoa que assumidamente detesta filmes de terror e zumbi, sai dando gargalhadas do cinema.

Logo de cara, vemos os Estados Unidos devastados por uma infestação de zumbis, que teve inicio quando um cara comeu um hamburger infectado – OK, é uma desculpa fajuta, mas qual não é? – E então que nos é mostrado nosso protagonista, Columbus (interpretado por Jesse Isenberg), o mais distante possível de um herói desde Wikus Van der Merwe em Distict 9, tentando sobreviver neste ambiente caótico, segurando-se fortemente a uma série de regras que eles mesmo criou para sobreviver, na melhor forma que um transtorno obsessivo compulsivo pode nos presentear.

Andando um pouco mais na história, temos o encontro dos opostos, Tallahassee entra em cena, interpretado pelo fantástico Woody Harrelson, nos mostrando que “Se eles não tem medo, por que deveriamos ter?” E com a vinda de Tallahassee, temos que nem sempre a motivação de um personagem tem que ser algo grandioso como salvar o mundo, lutar pela paz mundial ou curar a AIDS; neste caso é apenas uma incansável busca por Twinkies, a versão americana do nosso delicioso bolinho Ana Maria.

Tallahasse se diverte com os zumbis, matando-os das maneiras mais engraçadas e violentas quanto é possível. Tacos de baseball, banjos e tesouras de jardinagem entram na brincadeira pouco antes de encontrarmos as duas ultimas integrantes desta trupe de sobreviventes. Wichita e Little Rock.

Aqui vale uma pausa para entendermos os nomes das personagens. Columbus, Talahassee, Wichita e Little Rock são nomes de cidades nos Estados Unidos. Talahasse faz uma referência ao “Ultimo Tango em Paris” de Bernardo Bertolucci, quando diz: “No names!” – Sem nomes – e a partir daí, eles se chamam pelos nomes das cidades de onde vieram, ou para onde estão indo. A frase originalmente foi dita pelo excelso Marlon Brando.

Voltando ao filme. É aqui que a aventura realmente começa, as duas garotas, acostumadas a aplicar golpes para sobreviver, roubam as armas dos dois e fogem com o carro deles. Aqui segue uma sequencia de coincidências hilárias que fazem com que o grupo acabe junto novamente, e Columbus, busque sua namorada, e Talahassee uma filha.

Enfim, como filme de zumbi tem que ter muito sangue, gore, balas voando e cabeças explodindo. O melhor lugar para toda essa diversão acontecer é: Num parque de diversões! Isso mesmo, é no lugar mais improvável, que os nossos heróis vão lutar pela sobrevivência. Montanha Russa, Evador que despenca e casa mal assombrada são passagem obrigatória, e Talahassee se diverte como nunca, Columbus finalmente fica com a garota e o bolinho… bom essa eu não quero nem comentar. A cara de Woody Harrelson é impagável.

Vale a pena falar separadamente na participação de um herói. Bill Murray, como ele mesmo! Uma das coisas mais engraçadas do filme. Murray é realmente um dos melhores atores cômicos de todos os tempos. Em pouco tempo de tela consegue ser o assunto do filme, assim como Marlon Brando… Bom, não quero comentar sobre a participação dele para não estragar a cena. Mas simplesmente impecável.

Assim como as ficções científicas, filmes de zumbi são sobre relações humanas. Como as pessoas se comportam em determinadas situações, revelando o intimo de cada uma das personagens. Nos mostram relações familiares, de amizade, de comprometimento com o proximo. A única coisa, é que voam algumas cabeças ou explodem algumas estações espaciais.

Zombieland, é um filme didático para aqueles que não conhecem muito bem a diegese do universo dos zumbis. Nos mostra as relações, a conceito de evolução de armas e a adaptação com a nova realidade, necessária para sobreviver. Única ressalva: Onde estava a Serra Elétrica? Aparição muito curta para uma companheira tão importante! Fora isso. FANTÁSTICO, simpesmente fantástico.

Newton Uzeda

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Só o nome do filme já me chamou a atenção, depois descobri que era protagonizado por Chris O´Dowd, da fabulosa IT Crowd, logo o filme ingles de baixo orçamento tornou-se uma obrigação, dessas que adoramos ser obrigados a cumprir.

A trama se desenvolve quando Ray (Chris O´Dowd), um nerd (ou imagineer, como frequentemente nos lembra) Toby (Marc Wootton), um sonhador e Pete (Dean Lennox Kelly) um cínico; resolvem tomar uma cerveja em um pub no dia em que Ray é demitido do parque de diversões que trabalhava. Entre uma pint (pena não venderem pints no Brasil) e outra Ray encontra Cassie (Anna Faris), garota que alega ser uma viajante do tempo e que cuida para que não sejam cometidos crimes temporais.

De fato existe um vazamento temporal, e ironicamente está no banheiro masculino. Agora Ray tem que usar todos os seus conhecimentos sobre viagem no tempo para evitar que uma grande catastrofe dissolva a linha temporal como conhecemos.

O roteiro escrito por Jamie Mathieson, é recheado de referências a outras obras de viagem no tempo. As capas de Back To the Future, O Som do Trovão (Sound of Thunder) de Ray Bradbury, Terminator e sua linha temporal que é uma variante do Paradoxo do Avô (explicado no filme). Tudo lá, devidamente referenciado e reverenciado. É realmente divertido tentar acha-las no meio do filme. Caso ache mais alguma, comente.

Diversão garantida, um filme sobre viagem no tempo, cultura nerd e ficção científica escrito para quem realmente entende do assunto. Não é um filme para a massa, nem um filme que tenta se fazer didático poara os não iniciados.

Newton Uzeda

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Comprei este filme numa banca de jornal por R$9,99, bem na linha do “por que não?”, sem acredita muito na possibilidade do filme coreano, porcamente traduzido como “A Batalha dos Cyborgues“, ser bom. Notoriamente eu estava enganado. O amalgama entre Blade Runner, Mad Max, Terminator, e O Trigre e o Dragão, prende a atenção do começo ao fim. Teve seu lançamente em 2003, e pelo que me lembro dos filmes de Hollywood do mesmo ano, Natural City não fica devendo em nada tecnicamente.

Visualmente impressionante, tal qual Blade Runner, Natural City buscou em sua cultura oposta influências para tornar a cidade futurista plausível. Blade Runner buscou a influência oriental e Natural City a ocidental, num Yin Yang da construção civil sci-fi. O mesclado entre ocidente e oriente, já discudido por Phillip K. Dick, nos mostra o rumo que nossa civilização globalizada está tomando, e em partes destruindo o cultura local. Assim como acontece hoje na Corea, e também no Japão, que está em constante conflito entre seus costumes e a nova cultura americana/mundial que está se impondo. Natural City, foi ainda mais longe, nos mostrando também como são os arredores da cidade, nos mostrando os “não cidadãos” no melhor estilo de Mad Max, com sua cultura de resistência, e suas prostitutas que já começam a ser deixadas de lado pelas “bonecas“. Sim como a Prix em Blade Runner era uma “pleasure model” (modelo de prazer), aqui temos as Bonecas, robôs criadas para dar prazer e fazer companhia ao ser humano, como uma gueisha cyberpunk.

A própria história é, quardando as devidas proporções, muito parecida com a de Blade Runner. A Robô está com os dias contados, sua bateria está acabando. Ai entra nosso protagonista, R interpretado por Ji-tae Yu, que está apaixonado pela robô dancarina (os actroides que se cuidem) e quer que ela tenha mais tempo. Bom, de batalhas mesmo, só temos duas sequências de ação: Uma logo no começo para acordar o pessoal, e outra no final.

Quanto as cenas de luta, eu não teria colocado os cyborgues saltitantes que parecem mais estar numa olimpiada de acrobatas, que em um combate. Não gosto muito de cenas de luta não verossimeis com o ambiente em que elas são colocadas. Mas visualmente são muito bonitas. Outra coisa, o estilo de narrativa, muito se parece com Animes, e tem sua narrativa mais lenta, o que algumas horas torna o filme massante. Mas depois que me abituei com o ritimo, foi tudo em ordem. Tiraria também a cena de romance sub-aquático à la Tidus e Yuna em Final Fantasy X, mas nada que atrapalhe o filme.

Resumindo, um grande filme para ser assistido, quem sabe em uma grande sessão Blade Runner, Natural City e Max Headroom. Não sei se será fácil de achar em locadoras, mas nessas bancas de jornal que vendem DVDs com certamente.

Newton Uzeda

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Infelizmente não é todo dia que vemos um bom filme de aventura. E tenho que agradecer a minha amiga Luciene por ter escolhido este filme para assistirmos outro dia.

Muitos questionaram, e argumentaram dizendo que temos diversos filmes de aventura hoje em dia, inclusive o remake deste mesmo filme, com Brendan Fraser e patota. Filmes como Velozes e Furiosos 14, ou outro remake de um clássico O Dia em que a Terra Parou(The Day The Earth Stood Still), já analizado por mim em meu blog (clique [AQUI] para ler).

Este não, Journey to the Center of The Earth é um filme de aventura de primeira categoria! Baseado na excelsa obra de Jules Verne, considerado por muitos o “precursor do gênero de ficção científica“, o filme dirigido por Henry Levin nos transporta fielmente a obra original rumo ao centro da terra! Passando por temas como amizade e traição, amor e romance, cruzando a floresta de cogumelos gigantes, cachoeiras de sal, enchentes subterraneas, fugindo dos Dimetrodontes até chegarmos ao oceano subterraneo que nos levará onde se juntam os polos magnéticos de nosso planeta. Sem esquecer é claro da Cidade perdita de Atlantida, fortemente guardada por um Camaleão gigante com uma lingua de 20 metros de comprimento!

Tudo isso me lembrou da teoria da Terra Oca, que nos conta da possibilidade de existência de uma outra civilização no interior da terra, que poderia ser encontrada por uma entrada nas calotas polares, onde existiria uma espécie de oasis no meio da neve. Para saber um pouco mais, entre neste link da [WIKIPEDIA], ou [AQUI].

Voltando: O filme concorreu a 3 Oscar em 1959, época onde o prêmio ainda significava alguma coisa. Fotografia impecável, efeitos sonoros também. O roteiro de Walter Reisch é impecável, no melhor estilo de roteiros clássicos, com todos os arcos em seus devidos lugares, intercalando entre a aventura e comédia na medida certa; ao contrário dos filmes de hoje, que se transformaram em bobagens infantilóides e insossas.

Falando em comédia, um show a parte e a perssonagem Gertrude, uma pata! Sim, ela é de longe a grande atração do filme, possuidora de um carisma impar e com certesa a integrante do elenco que mais sofreu durante as filmagens. Diversas vezes em que tinha que entrar em cena, ela era arremessada pelo contra-regras (desta ez realmente quebrando as regras de bons tratos com os animais) dentro da cena. Gertrude fez de tudo no filme, mostrando o poder da polivalência dos patos. Andam torto, nadam mal e voam porcamente… mas fazem de tudo, e ainda se dão o direito de serem folgados. Não tem bicho mais folgado que um pato, que nasce rebolando e dizendo : “Qualé qualé qualé!” (Adoro essa piadinha!). Grande Gertrude… fou procurar mais filmes com você, com certeza melhor atriz que Dakota Fanning, Vin Diesel e derivados.

Newton Uzeda

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Como prometido, aqui está: Pi, filme de Darren Aranofsky, filmado todo em preto e branco, fortemente influenciado por Stanley Kubrick, Kevin Smith e Frank Miller, o filme atemporal, Max, um gênio procura desvendar um padrão nas variações da bolsa de valores usando como base a infinidade decimal do pi. Até ai perfeito, parece ser uma grande ficção… Mas não é! Aranofsky esteve em Israel, e conviveu com alguns judeus ortodoxos que procuravam uma relação entre o Pi e a Cabala.

Junte este ambiente dark e confuso da mente de um gênio, com algumas teorias científicas, Gematria (relação entre os números e letras no Torá) e a Teoria do Caos, e teremos um filme com um rítimo fortemente marcado, com música eletrônica (parte que irrita um pouco, porém traz o filme para o clima certo), cortes rápidos e uma repetição de voice-over que nos transmite a sensação de estarmos presos em um lugar. Como disse Stephen King: “O Inferno é Repetição”.

Voltando na música eletrônica, agora parando para analizar, elas me parecem ter sido escolhidas justamente pelo fato de serem músicas repetitivas. Uma grande seqüência de samplers que parecem não ter fim.

Fato é: O filme realmente nos sufoca do começo ao fim e, ao final, nos traz a mensagem de que a alienação total pode ser a única salvação. E nos mostra isso ao melhor estilo de “O Assassino da Furadeira” (The Driller Killer) de Abel Ferrara, ou Jimmy Boy, mas isso é outra história.

Para os que como eu, gostam de matemática, é um prato cheio (ao contrário da série de TV “Numbers“). Outra grande oportunidade é para os que assistiram o Código Da Vinci (The Da Vinci Code) e acharam fantástico, desobrirem que a Razão Aurea, Sequencia de Fibonacci e outros, não são exclusivos de Dan Brown e sua perigosa capacidade de manipular a história (George Orwell, onde está você???).

Interessante também como é mostrado o valor do conhecimento. Max em certo ponto é subornado, e ele fala que sua pesquisa é para curiosidade ciêntífica, não por dinheiro e então lhe é oferecido um super processador que seria capaz de ajuda-lo em sua pesquisa. no melhor estilo de “Não quero seu dinheiro, quero seu silicio!”

Altamente recomendado, grandioso em sua estrutura e mensagem, se separando da grande massa de filmes como poucos. Bom se assistir juntamente com “Um Ponto Zero“, como já disse, sempre assisto esses filmes juntos. Parece que eles tem alguma relação não declarada. Se alguém sacar qual é, comente.

Newton Uzeda

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Filme dirigido por Roman Polanski e meio que esquecido e desvalorizado pela crítica, não existe sequer uma versão para DVD aqui no Brasil (quase que furto a versão VHS da 2001). Graças ao bom Diabo, Capeta, Satanás, Capiroto, Tinhoso existe o Pirate Bay.

O enredo, de modo simplificado, gira em torno de Dean Corso (Johnny Depp), um negociante de livros raros que é contratado por um acadêmico poderoso com interesses em demonologia – Boris Balkan (Frank Langella) – para que um livro possa ser autenticado, o “De Umbrarum Regis Novum Portis” (ou Os Nove Portais para o Reino das Sombras). Tal obra, reza a lenda, permite a realização de uma invocação satânica conferindo poderes inimagináveis para quem desvende o seu enigma, na forma de nove desenhos. Isso somente é possível, pois esses desenhos foram copiados de um livro apócrifo (o Delomelanicon, primo do Necronomicon que tanto atormentou Bruce Campbell), cuja autoria é atribuída ao próprio Lúcifer.

O filme acerta magistralmente na fotografia, roteiro hipnótico, trilha sonora (de Wojciech Kilar) e direção. Impossível não comentar sobre um possível paralelismo entre a cena em que Boris Balkan toma de assalto o púlpito dos satanistas aristocratas – liderados por Liana Telfer (Lena Olin) – e os ridiculariza, e a cena do De Olhos Bem Fechados (Eyes Wide Shut, dirigido por Stanley Kubrick) em que o penetra da orgia dos aristocratas é ridicularizado pelo mestre de cerimônia.

É válido analisar o filme pela lógica do conhecimento, já que O Último Portal foi baseado no livro El Club Dumas, de Arturo Pérez-Reverte. O anjo que se rebelou contra Deus e que ganha o título de Portador da Luz tem nos livros a sua morada e manifestação de poder – se o divino é o místico e a fé, o satânico é certamente a Verdade e o questionamento. Roman Polanski ironiza o gênero de filmes sobre ocultismo, saturado de clichês.

É impossível não enxergar os personagens poderosos com certa comicidade, conforme somos expostos às falas vazias, rituais esdrúxulos e veneração cega – mas de tal modo que o elemento principal, ou seja, o conhecimento proporcionado pelo livro é apresentado como instrumento para que o homem possa reger o mundo. O mais assustador, justamente, é o destino de Dean Corso, que é alheio a todo e qualquer tipo de crença.

Seria interessante também chamar a atenção para um sub-tema: a presença imprescindível do feminino na jornada de transformação do masculino (os opostos primordiais e todo aquele blá-blá-blá do qual todos já estão cansados). Emmanuelle Seigner, já fora dirigida por Polanski em outro filme altamente recomendável (Lua de Fel, ou Bitter Moon), faz parte da (minha) tríade de atrizes-musas, sendo as outras duas integrantes Juliette Binoche e Lena Olin. Alguém consegue distinguir cada estereótipo da mulher atraente? Acredito que isso seja bem didático após o auxílio das três.

Falando em trilogias, O Último Portal fecha (para mim) o ciclo de finais com o tema “O indivíduo e o mundo” – definição que soa como um trabalho de sociologia de quinta categoria, mas acreditem, a outra que tenho em mente mais parece título de livro de auto-ajuda…

O primeiro é o Blade Runner – O Caçador de Andróides (versão do diretor). O segundo é o Unbreakable (Corpo Fechado). Cada filme pede uma resenha própria – o primeiro, que não fez sucesso logo de cara, passou a ser cultuado. Já o segundo, por ser mais novinho, carece de um grupo que dê início a sua aura de “cult“.

Finais sem finais sempre caem bem (não confundir com finais-em-aberto).

Der Springer

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Existem boas pessoas, e existem más pessoas e elas estão a caminho,
E elas querem você, Simon,
As pessoas más podem salvar você, mas não vão…
As pessoas boas querem salvar você, mas não podem…

Neste fim de semana, resolvi reasistir este filme de Jeff Renfroe e Marteinn Thorsson. Um Ponto Zero (One Point O) também conhecido como “Paranoia 1.0“, conta a história de Simon (Jeremy Sisto), um programador de computadores que vive solitário em um apartamento alugado, com um prazo de entrega lhe apertando o pescoço, auxiliado por um aluguel atrasado. Simon sai de seu universo conhecido quando uma misteriosa caixa embrulhada em papel pardo aparece dentro de seu apartamento e, ao abri-la descobre não haver nada dentro dela. Após este incidente Simon desenvolve uma paranóia intensa, acompanhada por um desejo incontrolável de consumir “Nature Fresh Milk” (algo como: Leite Natureza Fresca).

A trama de complica, quando outras personagens vão aparescendo, como o Senhorio, um vizinho que curte um role-play sexual, uma enfermeira também moradora do prédio, e um alemão tecnomaníaco que está construindo uma cabeça de um robô; cada qual com os mesmos sintomas, porém por produtos diferentes: carne farm, cola 500, ou um determinado suco com vitamina B-alguma-coisa.

Os únicos que não exibem nenhum sintoma são Howard (interpretado por Lance Henriksen -Millennium; Aliens, O Resgate; Terminator), um factotum do condomínio, que se vangloria de ser um vagabundo. Mora num lugar apertado e produz seu próprio vinho; e Nile (Eugene Byrd), um motoboy auto-nominado Red Currier, que atende por telefone e compra as coisas que Simon precisa e entrega na casa dele. Definitivamente um serviço que deveria existir.

Vamos lá, análize rápida: O filme, como todo bom sci-fi, faz referências a coisas que já acontecem em nossas vidas e as colocam de formas ligeiramente (ou absurdamente) extrapoladas, a fim de nos mostrar um ponto de vista sem correr o risco de ser censurado ou algo parecido. Neste caso expecífico, o filme faz referência ao mercado, e a forma que ele sempre encontra um modo de atingir seu público. Isto é colocado no filme quando atravéz do virus que é colocado em Simon e nos moradores do prédio, que coloca SPAMS (Monty Phyton???)de produtos em seus cerebros. O Red Curier, é o vendedor, que se faz de amigo para vender o produto. E o herói, é justamente Howard, um vagabundo economicamente inativo, que não consome e não gira o dinheiro. Howard produz seu próprio vinho e seus próprios divertimentos, os Bugs (ai vem como o termo utilizado na informática mesmo…), que são uma ameaça para o mercado, um problema para o mercado. Howard não foi comprado, e não compra… ele não foi assimilado. Qualquer referência aos Borgs de Star Trek, é mera coincidência…

Um cenário cyberpunk atemporal, introspectivo, que nos leva a um futuro próximo (talvez atual),com computadores e relógios de corda convivendo lado a lado, nos passando a impressão que pode acontecer em qualquer época, ontem ou amanhã; totalmente sombrio como o próprio mercado com suas intenções obscuras o é. Absolutamente (in)crível como um filme destes não foi devidamente divulgado, nem no mercado americano nem no brasileiro. Um filme, sem explosões ou efeitos expeciais chiques e clichês para atrair a massa, que dificilmente entenderá o filme, porém um filme interessantíssimo, afiado e sufocante, nos deixando apreensivos com o rumo que tomamos.

Sempre que assisto a este filme, gosto de assistir na sequência o п (Pi – 1998) de Darren Aronofsky. Os filmes não tem qualquer ligação, porém o clima é muito parecido. Escreverei sobre ele em breve, visto que acabei de assisti-lo, logo aprós Um Ponto Zero.

Newton Uzeda

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